A Mariologia nas pinturas de Piero della Francesca (2ª parte)
Vida e obra
Piero nasceu por volta de 1415-1420 em Borgo San Sepolcro. Na cidade do Alto Val Tiberina, Piero fez seu primeiro aprendizado pictórico, junto com Antonio d’Anghiari: mas as suas primeiras obras conhecidas mostram uma profunda compreensão da arte florentina do início do século XV, em particular da clara, luminosa e perspectiva pintura de Domenico Veneziano. Ao lado deste artista, Piero é documentado em 1439 na capital toscana, como auxílio para a execução dos afrescos com as Histórias da Virgem para o coro da igreja de Sant’Egidio. As obras-primas de Donatello e Masaccio deixaram um rastro profundo e indelével no jovem pintor.
Os reflexos mais imediatos desta educação artística encontram-se numa das obras mais antigas de Piero que nos chegou, o Batismo de Cristo, cena imersa numa luz zenital na hora mais abstrata, meio-dia, quando desaparecem, as sombras, suspensas num encantamento de gestos e silêncios.
Alguns anos depois, Piero afrescou uma ‘Ressurreição’ em Borgo Sansepolcro. Na pintura, Cristo, representado com traços toscos e essenciais, no centro exato da composição em posição simbólica, é a passagem do inverno, as árvores nuas à esquerda, para o verão, as árvores luxuriantes à direita, e do a noite dos soldados adormece em frente ao sarcófago ao amanhecer que se eleva acima de seus ombros. Cristo ressuscitado é a passagem da vida para a morte .
A partir de meados do século XV, a carreira de Piero se deu em estadias alternadas nas principais cortes do centro-norte da Itália, em sua cidade natal e em Ferrara, onde trabalhou para o Marquês Leonello d’Este, um dos mais refinados patronos da o renascimento. É provável que na cidade de Romagna o pintor tenha mantido relações estreitas com Alberti, que teve de encorajá-lo a prosseguir sua investigação apaixonada sobre as leis da perspectiva e das proporções.
Entretanto, em 1445, os seus concidadãos encomendaram-lhe o grande Políptico da Misericórdia, para o qual o artista trabalhou de forma descontínua, para o entregar depois de tanta insistência apenas em 1462: a vigorosa estrutura plástica das figuras, imersas num fundo de ouro, destaca-se pelo rigor abstrato da composição e pelo valor luminoso e atmosférico atribuído mesmo ao fundo dourado arcaico.
No centro do políptico a Mater Misericordiae protege um grupo de fiéis, incluindo Piero, em autorretrato, o primeiro à direita da Virgem e um irmão de capuz preto da mesma companhia que enterrou os mortos. Maria, que usa um cinto de couro amarrado com cordão duplo, uma lembrança de sua virgindade, é descrita como um sólido volume geométrico, suavizado por um rosto sereno, pensativo, inspirador e ao mesmo tempo distante, transcendente, pálido e suave. Seu grande manto é uma fronteira, mas também uma ábside que se reúne em oração. As concessões à antiguidade do ouro e às dimensões da Virgem parecem não resistir à modernidade dos rostos. No entanto, o ouro torna-se luz e luz de fundo que realça os volumes, o jogo de dimensões torna-se monumentalidade. A cor é viva, as roupas sóbrias, com raras concessões ao detalhe, senão ao diadema da Virgem, nas pedras da coroa e no braço de uma das mulheres ajoelhadas. É pura invenção de uma espiritualidade que aproxima o homem do divino na perfeição da forma.
Acima de Nossa Senhora, no Políptico, ergue-se uma Crucificação que atinge uma extrema tensão dramática no gesto da Mãe e na nobre pose de João.
Outra Crucificação Piero pinta no Políptico de Santo Agostinho. A cena está organizada em dois hemisférios: o superior, com fundo dourado, é o mundo celeste onde se encontra apenas a Cruz; a inferior é terrestre, composta por quatro grupos de figuras. Abaixo estão três soldados sentados tocando o manto de Cristo; à esquerda, o grupo das Pias Dolorosas com São João à direita como contraponto; nas duas extremidades existem dois grupos quase simétricos de soldados romanos a cavalo, com os corcéis que se assemelham aos dos afrescos da Lenda da Verdadeira Cruz de Arezzo. A cena é caracterizada por uma vivacidade notável e uma riqueza cromática onde se destacam as bandeiras vermelhas, os escudos e algumas roupas. A ênfase nos movimentos dramáticos, através dos quais se manifesta a intensa dor da Mãe, assim como a de São João, aparece excepcional na arte de Piero; de fato, nos braços abertos de Maria e do discípulo, podíamos ler mensagens mais solenes e litúrgicas, desprovidas de qualquer inchaço doloroso, na linha de um Cristo composto sem contorções violentas do corpo.
A comovente Nossa Senhora do Parto data do final da década de 1450, com afrescos na capela do cemitério de Monterchi (Arezzo), onde a mãe foi sepultada. Envolta no precioso azul mandarim da túnica simples, Santa Maria está disposta segundo uma leve postura de três quartos, para que a sua condição de grávida fique mais evidente. Ela traz o braço esquerdo para o lado em uma atitude que é de repouso alerta, mas também de consciência orgulhosa de seu estado. A mão direita toca o útero na ansiosa carícia protetora que toda grávida conhece. Maria é a jovem mãe camponesa, irmã de mulheres em trabalho de parto que, geração após geração, se reconheceram, mas ao mesmo tempo é a Bem-aventurada do Senhor (benedicta tu in mulieribus), aquela que carrega a salvação do mundo.
A capacidade de Piero della Francesca para analisar a verdade e, ao mesmo tempo, dar ao sagrado a evidência de um naturalismo perfeitamente arquetípico é caraterística deste pintor.
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