La mariología geométrica de Piero della Francesca (4ª parte)

Una Virgen María con el Niño, recientemente atribuida a Petrus de Burgo y que se creyó durante siglos que era de Piero della Francesca, conecta con los paisajes creados mediante una pintura de luz, proporciones divinas y una mirada contemplativa, donde misteriosamente la matemática y la pintura se unen en una nueva certeza sobre los espacios, en los que hombres y cosas del mundo descienden de una especie de previsión espacial onírica. Permaneciendo absortos, impasibles y silenciosos guardianes de estas leyes, guardianes privilegiados de una alegre poesía del mínimo en la que el aliento de una nueva intimidad entre distancias resuena entre cosas, acontecimientos y estados de ánimo.

La Virgen María ofrece una rosa roja, que parece blanca por el reflejo de la luz, a Jesús que está sentado en su regazo desnudo, en un simbolismo que recuerda la Pasión. Un ángel vestido de rojo señala hacia el Niño. Alrededor de la Madre Virgen, los ángeles se alinean en semicírculo, compuestos y serios en su habitual calidad escultórica, pero reales.

Quizás la pintura más conocida de Piero sea el Retábulo de Brera, debido al lugar donde se conserva y porque su tema es un diálogo sagrado.

Este nombre se refiere a las pinturas que representan a Nuestra Señora y al Niño Jesús en sus brazos, acompañados de santos y, a veces, incluso de personas comunes.

En este caso, el panel también presenta a Federico da Montefeltro, el comisionante de la obra, claramente reconocible como el hombre de armadura arrodillado a la derecha. Es importante notar que la posición de los personajes suele respetar una jerarquía precisa: Nuestra Señora es la única sentada, los santos de pie, y los mecenas arrodillados.

El panel representa a cuatro ángeles cerca de la Madre del Señor, y seis santos, tres a cada lado: a la izquierda están San Juan Bautista, San Bernardino de Sena y San Jerónimo; a la derecha, San Francisco, San Pedro Mártir y San Juan Evangelista.

La obra es un admirable ejemplo de esta orden formal que va más allá de una simple elección estilística: es la confianza en un universo basado en una armonía de matriz racional y matemática. Todo es simétrico y preciso, especialmente la arquitectura de fondo. Estamos dentro de una iglesia, en el cruce del nave con el transepto, justo frente al ábade. El espacio representa no solo un lugar sagrado, sino también un orden cósmico basado en la claridad y la racionalidad.

Un detalle original de este espacio es la forma del ábade, una concha. Un huevo de avestruz cuelga en la parte superior. El significado del huevo se encuentra en una creencia medieval según la cual los huevos de avestruz eran incubados por el calor del sol y, por lo tanto, simbolizaban la maternidad virginal de María.

La concha, probablemente, también remite al mismo significado, ya que se creía que la perla se formaba sin intervención masculina a través de los rayos de las tormentas. Estos detalles evocan el misterio del nacimiento de Jesús, entendido como un milagro que ofrece la salvación a la humanidad.

La obra *La Madonna di Senigallia* es de fundamental importancia para reconstruir las manifestaciones artísticas de su autor, ya que atestigua la transición de la tempera a la pintura al óleo, inspirada en pintores flamencos como Jan Van Eyck, conocido en las cortes de Ferrara y luego en Urbino. La pintura flamenca introdujo el uso de la pintura al óleo en Italia, permitiendo un control más refinado de la luz.

Piero della Francesca, por lo tanto, construye imágenes con color y crea el color con la luz. La hora de sus meditaciones pictóricas es el mediodía, cuando la luz del zenit desvanece las sombras de la tierra. En Piero, los colores parecen nacer por primera vez como elementos de una invención del mundo. La primera lección en este sentido, el Maestro de San Sepolcro la aprende durante su estancia en Florencia, asimilando la gran lección de Domenico Veneziano: una pintura luminosa que construye las figuras en la luz, no superpuestas, sino armoniosamente integradas al dibujo.

*La Madonna di Senigallia* revela aún más su riqueza al capturar la luz oblicua de cualquier día, esa luz que, filtrándose por las ventanas de la izquierda, revela el interior de una casa majestuosa pero no opulenta, donde una muy joven Virgen María, asistida por dos ángeles adolescentes, presenta a su hijo melancólico con una dulce gravedad triste y como nublada por presagios.

Una atmósfera de extrema concentración impregna la sala sencilla. En los estantes hay un jarro que debería contener hostias y, por lo tanto, aludir a la Eucaristía, y un cesto, un recuerdo de la pureza y el papel salvifico de María que acoge a Jesús en su seno como el cesto acogió a Moisés (cf. Ex 2,3-6).

La obra ofrece lo monumental y lo íntimo, las dos líneas en las que se manifiesta su poesía. Monumentales son el volumen de los cuerpos, la compostura de las figuras y la sobriedad de los trajes que, sin embargo, se abren a la elegancia de las joyas de los ángeles y a la transparencia refinada de la Virgen. La atmósfera de este interior de una casa del siglo XV es íntima, casi doméstica. La arquitectura cortada por la luz que entra por la izquierda permite que Piero se detenga en los efectos de iluminación, una clara referencia al mundo flamenco. La obra en su conjunto aparece limpia, esencial, fijada en ese típico silencio estático que constituye el encanto de este pintor.

La Natividad de Londres es quizás la última obra del Maestro de Sansepolcro. El Niño yace en el suelo, en un rincón del manto de María, según la iconografía tradicional del Norte que también se refleja en las características del Niño.

La Madre, de formas suaves y finas, figura de marfil extremadamente elegante, contempla al Niño recostado en una aba del manto.

San José se sienta despreocupadamente en un sillín, en una pose de sabor doméstico, absolutamente íntima.

Los dos animales al fondo son representados con gran realismo.

Detrás, uno de los pastores señala hacia el cometa.

Un grupo de ángeles músicos cantan, pero tocan instrumentos sin cuerdas. El punto de fuga está ligeramente elevado, como en el Pala di Brera, ofreciendo una visión casi aérea del espectacular paisaje del río, que se extiende con árboles, arbustos y paredes salientes que recuerdan algunos dibujos de Leonardo da Vinci joven. La obra de Piero, casi cuadrada, es hermosa hasta el punto de evocar una intensa emoción. Revela religiosidad y misticismo, junto con un profundo sentido de misterio, así como una nostalgia por experiencias pasadas, evocadas con vida y actualidad.El burro relinchando se añade al coro de ángeles, formando un quinteto perfecto que toca y canta en la entrada de la cabaña para glorificar a Dios. En pocas palabras, la presencia del burro indica que todas las criaturas, cada una a su manera, participan de la alegría por el nacimiento de Cristo o la venida de Dios a la tierra. Sin embargo, el relincho del burro contrasta con la armonía del coro angélico. En el preciso momento del nacimiento del Niño Divino, la alegría se mezcla con el dolor, porque el plan de redención de los hombres, querido por Dios, llevará a Cristo a la cruz. Las demás criaturas presentes en la obra, no participan de la alegría de este nacimiento extraordinario.Se puede ver al buey junto al burro, una pica en el techo de la cabaña y un jilguero en primer plano. Ninguno de estos animales mugie o cante. Por lo tanto, la presencia del burro relinchando tiene su razón en ser un sonido desagradable y desafinado. La sabiduría popular también contrasta al burro y su relincho con la música y su armonía. Ahora bien, el burro de Piero está muy cerca del ángel que toca violín o lira. Si sumamos a esto que el pelo del burro es rojo (símbolo del diablo), que la pica en la cabaña a menudo aludía al diablo y el jilguero con cardos en primer plano remite a los sufrimientos del martirio de Cristo, el significado de la pintura parece claro.La arquitectura aquí solo se insinúa en la ruina y el fondo donde se vislumbra Borgo Sansepolcro. El espacio está marcado por el paisaje, las curvas del río en que los árboles se reflejan, una apertura luminosa y adoradora que trae el cielo a la tierra, el canto de los ángeles en la pobreza del pesebre.Deja que te encante con una palabra del Señor, sorpréndete nuevamente con la mangera y la Cruz, maravíllate con el Logos que está dentro de cada carne, con el Eterno que se insinúa en el instante, con el Pan que se convierte en Cuerpo, por un Dios que sonríe. Haz que María sea una maestra silenciosa de asombro, aquella que guarda y medita en su corazón las Buenas Nuevas. Porque la historia de un niño está escrita ante todo en el corazón de su madre. Ella guardó las Noticias Alegres. Ella las guardó con cuidado porque hasta los fragmentos son preciosos para la memoria del corazón.

A pesar de haber perdido la vista en sus últimos años, Piero della Francesca falleció en Borgo San Sepolcro el 12 de octubre de 1492, día del descubrimiento de América. Sus imágenes de la Virgen, serenas, estables, silenciosas y, en esencia, hieráticas, transmiten un sentido profundo y solemne de sacralidad que resuena en el corazón como un eco poético:

Arca de la nueva alianza

entre el hombre y la naturaleza, regresa,

en la caravela que transporta al Señor bajo su vela blanca

(David Maria Turoldo).