La mariología de Piero della Francesca (1ª parte)

Piero della Francesca (Sansepolcro [Toscana] 1418-1492) es sin duda uno de los mayores artistas italianos del siglo XV. Su pintura espaciosa, monumental y racionalmente impasible alcanza los más altos ideales del primer Renacimiento, una época en que arte y ciencia están unidos por vínculos profundos. Al igual que Leonardo da Vinci, nacido dos generaciones después de él, Piero es un excelente experimentador.

Maestro del fresco, técnica en la que destaca, está principalmente interesado en la aplicación de las reglas recientemente descubiertas de la perspectiva a la pintura narrativa y devocional: el rigor matemático absoluto de sus creaciones contribuye a la calidad abstracta e icónica de su pintura, conferiendo a sus obras maestras un poderoso valor sagrado.

Contexto

El humanismo moderno y la «devotio» moderna

La época de Piero es la humanidad, un fenómeno que, a partir del comienzo del siglo XV, expresa una nueva confianza en el mundo, en el hombre, en sus posibilidades cognitivas. El estudio de la literatura y el arte clásicos permite que la última fase de la Edad Media construya los fundamentos del futuro Renacimiento. Los textos antiguos son redescubiertos, estatuas antiguas, medallas, monedas reviven la cultura clásica, griega y latina.

Recuperar al hombre, su fisicalidad, ya no implica mortificación a través de la inconveniencia de la representación, que nunca debió ser demasiado realista, especialmente cuando se trata de santos, vírgenes o incluso Dios. Se vuelve evidente el impulso de búsqueda en la dirección opuesta, con un gusto por un realismo que celebra fundamentalmente al hombre, confiando a Dios y a las criaturas celestiales rostros, cuerpos y sensaciones que expresan el mundo cotidiano.La cultura popular se ha convertido en un modelo de valores trágicos. Por lo tanto, ya no existe temor a representar a Dios en vestidura humana. Un *sermo vulgaris* que se vuelve épico en la figuración parietal, en los ciclos que exaltan a la Virgen en su calidad de madre, en la humanidad desgarrada de Cristo crucificado, en el ascetismo místico íntimo de un santo.En realidad, el humanismo, en el arte italiano, comienza mucho antes que su paralelo literario. Arnolfo, Giotto, Nicola Pisano son los *pais antiguos* de este nuevo sentimiento del hombre, aún primordial, tal vez inconsciente, pero ya orgullosamente tenso por reclamar a Dios *el derecho a existir independientemente del divino*. Toda modestia iconoclasta comenzó a desvanecerse. Este miedo a tocar los labios de Dios con el pincel, a dibujar el busto de Cristo o el vientre de María embarazada.Ninguna voluntad de síntesis, porque el hombre se contempla en una reflexión estética narcisista que lo lleva a buscar en las vírgenes, en los santos, en Cristo, en el niño, las características de su fisicalidad dramática, de su humanidad indispensable. Todo esto es en el arte el milagro del humor: el arte antiguo, literalmente redescubierto en este período, se refiere a la celebración del mito de alguien, en la elegancia del desnudo, en el que una frente lisa se convierte en pura pensamiento.

Piero della Francesca confía en el hombre y realza su belleza con un canon moral y ético, capaz de elevar a los momentos más sublimes de la existencia a los espíritus más elevados. El desafío extremo del inicio de la pintura medieval es dialogar con lo divino sin poder encerrarlo en el léxico visual de la humanidad. Los rostros son silenciosos, distantes, encuadrados en arquitecturas que simbolizan casi metafóricamente el mundo circundante.

Los valores arquitectónicos no se basaban en un paisaje o un cielo con nubes y pájaros, sino en una hoja de oro con la que el muy moderno Piero debe confrontarse en el «Políptico de la Misericordia», probablemente su primera obra conocida.

Pero las figuras de Piero, especialmente la Virgen Santa María, se expresan mediante el silencio, a través de una impersonalidad llena de significados, en rostros tallados en el volumen, facciones amplias habitadas por pensamientos sencillos, una dramaturgia que se resuelve, como las sombras, en la luz. Paz en el espacio inteligible.

Lo que impresiona es el uso de la luz, una luz difusa que surge de la mezcla somática de colores, que aprende con Fra Angélico en las paredes afrescadas del convento de San Marco en Florencia, y que se transforma así en poesía.