Leonardo da Vinci, pintor de la Mariología simbólica.

En el trabajo «Nuestra Señora de la Romã o Dreyfus«, Leonardo busca un nuevo concepto de iluminación, fruto de un estudio minucioso.

También atribuida por la crítica a Lorenzo di Credi, refuerza la idea de que era práctica común en un taller utilizar los mismos estudios para hacer pinturas, que se convertían en bancas de prueba para evaluar las capacidades del alumno.

Las dos figuras, aunque demuestren gran dulzura e intenciones amorosas, aún no parecen bien relacionadas entre sí.

La Virgen parece mirar la roma, y el Niño entrega a la Madre una parte del fruto que acaba de recoger. El acuerdo cromático es armonioso: una variante del rojo que combina bien con un azul suave.

El rostro de la Virgen emerge de un fondo oscuro, probablemente una pared, entre dos ventanas rectangulares que abren a los ojos un paisaje típicamente leonardiano.

En el trabajo «Nuestra Señora del Cravo«, pintado en los años en que el artista colaboró activamente con Verrocchio, una luz penetra de las dos ventanas con rejas al fondo, envolviendo a la Virgen y al Niño en un cálido abrazo cromático.

El espacio arquitectónico está meticulosamente diseñado, y las elegantes ventanas con rejas muestran un paisaje con montañas dispuestas en tres niveles de profundidad, creando una sensación de perspectiva aérea gracias al hábil uso del color.

La Madre ofrece un clavel al Niño Jesús. Esta obra fue pintada para el papa florentino Clemente VII, sobrino de Lorenzo el Magnífico.

Leonardo creó un jarro lleno de agua con flores en su interior. Además de la maravilla de la vivacidad, imitó el rocío del agua superior, haciendo que pareciera más vivo que la propia vivacidad.

Las dos figuras de la Madre y el Hijo en la Madonna Benois, construidas sobre líneas espaciales oblicuas y opuestas, están hábilmente conectadas entre sí por una pequeña flor que sirve como vínculo gestual.

La vivacidad del Niño que levanta la pierna, transmitiendo una sensación de animosidad, la exquisita descripción de las manos de ambos, la sonrisa satisfecha de la Virgen, son elementos de verdad que convierten la escena en íntima y familiar. El uso del color, aplicado en tonos modulados, y la luz cálida crean un contorno sutil y suave sobre las figuras, haciéndolas vivas y móviles en el espacio atmosférico que las contiene.

Es el Niño quien expresa asombro en su rostro, con una mirada atenta que observa cuidadosamente no solo la flor que la Madre le entrega (la flor crucífera, símbolo de la Pasión), sino también las brillantes bayas en el mismo tallo, reflejadas en el ovalado broche de la Madre, con un sugerente toque heráldico del escudo de los Medici.

Es probable que Leonardo pintara la obra «Nuestra Señora del Gato» al mismo tiempo, dada la estrecha correlación compositiva con Nuestra Señora del Cravo. Ambas fueron concebidas dentro de un espacio abovedado con una pequeña ventana arqueada en el fondo. Dominadas por un sentido melódico y ejecutadas con ritmo acelerado, estas estudios encuentran su expresión más feliz en el encantador dibujo de una niña de pie, vista de perfil, llevando a un niño en sus brazos.

Una pequeña Anunciación, actualmente en el Louvre, ha sido atribuida en ocasiones a Lorenzo di Credi, un discípulo de Verrocchio que se caracterizaba por un estilo suave y siempre delicado en la pureza monótona de sus pinturas, alejado de la inquietud inquisitiva del espíritu de Leonardo.

Sin embargo, la mano del artista se puede apreciar en los fondos nebulosos del paisaje y en la descripción minuciosa de las pequeñas flores, estudiando sus estames y pistilos.

La aldea velada se corresponde con el gesto orante de María, doblada en oración, que es comentario y eco de la escena en la mutabilidad de las sombras, en las brumas de la aurora que difuminan los contornos.