Leonardo da Vinci i Dziewica w ciąży pełna nadziei

W Galerii Uffizi we Florencji znajduje się rysunek przypisany mistrzowi Leonardowi, przedstawiający kobiecą głowę, która ma oczywiste podobieństwa do obrazu „Madonna z skały”, w ten sposób można go uznać za szkic przygotowawczy.

W porównaniu do „Madonny Benois”, w tej kompozycji istnieje większa odległość między postaciami a tłem, a także mniej rozmyte cienie i bardziej bezpośrednie światło, które podkreśla zwłaszcza twarze, nie zanurzając się w delikatnych konturach. Patrzący na widza wzrok Dziecka jest wezwaniem do uczestnictwa w obrazie, wciągając widza w relację bezpośredniego komunikatu z wizerunkiem świętej.

25 kwietnia 1483 roku panel „Madonny z skały” został zamówiony przez Bractwo Koncepcji. Obraz, obecnie w Luwrze, przedstawia Matkę Boską z Jezusem, Janem Chrzcicielem i aniołem w jaskini, otoczonej cieniem i światłem, które tworzą atmosferę tajemnicy.

Leonardo w Mediolanie natknął się na wielkie dzieło malarskie w trakcie tworzenia: od lunet w Kaplicy Portinari po freski w Banku Medici, przed nim stały wysokie dzieła Foppa i pejzaże Bergognona, które stawiały czoło plastycznemu podejściu Toskanów oraz rytmowi Florencji poprzez perspektywę, światło i przestrzeń Lombardii.

Inna malowidła, która zmierzyła się z problemami światła, cienia, oddalonych przestrzeni i atmosfery. Wiele szkiców, zarówno samodzielnych, jak i rozproszonych w jego notatnikach, świadczy o tym, że Leonardo łączył bezpośrednią obserwację z marzeniami, używając swojego precyzyjnego, lekkiego i jasnego znaku, idealnie oddającego formy, światła, cienie i ruchy serca.

Jego postacie opierają się na tym, co można nazwać idealizowaną konkretnością. “Wierzba świętej Anny” (autografowana przez Leonarda) została kupiona bezpośrednio przez Francuzów w wyniku poufnych negocjacji z franciszkanami, a następnie zastąpiona w kościele drugą, niemal identyczną, namalowaną przez Ambrogia Prediego, wspomnianego w umowie przy wsparciu samego Leonarda.

Obie tabele rzeczywiście zmieniają tradycyjny schemat Niepokalanej Koncepcji z aniołami muzykującymi, księżycem pod stopami i koroną gwiazd. Tutaj harmonia pochodzi przede wszystkim od elementów przyrody, na które artysta przyznał tak silne znaczenie, a także głęboko łączy się z ludzkimi postaciami. Ostatecznym powodem uprzywilejowania Maryi jest boska macierzyństwo.

# PodsumowanieNa tej scenie, otoczona tajemniczą aurą światła, grupa stoi w otoczeniu mrocznej, mgły, która otula szczyty gór. Melancholijny nastrój nocy przenika uśmiech Dziewicy, dodając smutku w obliczu śmierci. Gdzie światło dotyka obiektów, pojawia się relief, a gdzie cień je pochłania, znikają. Formy płyną, delikatnie i natychmiastowo, w rytmie cienia jaskini i złocistych przebłysków przenikających przez szaty. W twórczości Leonarda da Vinci kolory stają się coraz mniej istotne w obliczu światła przenikającego wodę i niebo.To ujęcie przemijania, uchwycone w chwilach zawieszenia czasu, momentach o niezwykłej doskonałości, na których unosi się świadomość ulotnej natury rzeczywistości. Chwile te, stojące na granicy między istnieniem a nieistnieniem, są harmonijne, ale jednocześnie niosą ze sobą poczucie ich niepowtarzalności.Leonardo, w swoim artystycznym impulsie, opisuje malowanie jako uwiecznianie przemijania piękna: “Cudowna nauka, która pozwala uchwycić transiencję piękna, marzenie o doskonałości renesansowej, ale także jego kruchość. W życiu są chwile przejściowe, ciągła zmiana krajobrazu, jak rzeki wyrzeźbiające doliny, czy natura tworząca nieustannie nowe życie i formy.”Wszystkie obrazy Leonarda są natchnione świadomością zmienności zjawisk, podobną do tej, którą miał naukowiec wobec fizycznej rzeczywistości. Malarz, podobnie jak badacz, dostrzega nieustanną zmianę w wyglądzie świata – od form tworzonych przez naturę po te kształtowane przez czas.W tej właśnie zawieszonej perspektywie, między dwoma migotliwymi momentami, można szczególnie poczuć ulotność wyrazu na twarzach postaci, niedokończone krajobrazy, badanie cieni i zainteresowanie gestem oraz nastrojem, które wydają się zanikać.## Tekst w języku polskim:Tak jak jego upodobanie do blasku zmierzchu, tła niebieskich odcieni i momentów, gdy atmosfera staje się bardziej niejasna i niewyczerpanej, ujawniając niezapisaną istotę piękna świata i wysokiej jakości, lecz ulotnej radości, jaką z niego czerpiemy: jakby przypatrując się doskonałości godziny, która właśnie rozbłyska, chciał ją uchronić przed pułapką czasu, tym szybkim drapieżnikiem ludzkich spraw, który wkrótce ją zniszczy.Leonardo jest człowiekiem wiary, w typowej toczącej się we włoskiej Toskanii formie XV wieku, z pewnością odmiennej od katolicyzmu oddanego Reformacji, ale badacza tajemnicy boskiej i jej objawienia w historii ludzkości.Na obrazie „Anunciacja” Leonardo umieścił Maryję na skraju cienia, dotkniętą rozmytą linią światła pochodzącego z głębi i oświetlającego jej twarz wraz z otaczającą ją atmosferą. Inaczej mówiąc, zamienił ją w naturę, w poranną bryzę, w blask świtu, ale jednocześnie wypchnął ją poza nią i ponad nią poprzez łaskę tego „tak”. Uczucie natury, to, co czujemy bijąc rytm naszego życia w harmonii z kosmosem, łączy nas z Bogiem, otwiera nas na słuchanie, pozwala dotknąć ran Chrystusa zmartwychwstałego.Leonardo maluje Anunciację w zakamarku renesansowego pałacu, ale w atriumie ogrodu. Matka Boża z skał znajduje się w otwartej na świat jaskini; Nasza Pani Litta i Dziewica z nitkami w słonecznej krajobrazie. Te wielkie, jasne sceny mówią nam, że cud Enkarnaacji obejmuje nie tylko Marię, ale całą stworzoną rzeczywistość. Jasny poranny blask zmiękcza kontury postaci, czyniąc Marii malowane przez Leonarda ciąże nadzieją.