Die Mariologie von Piero della Francesca (1. Teil)

Piero della Francesca (Sansepolcro [Toscana] 1418-1492) ist zweifellos einer der größten italienischen Künstler des 15. Jahrhunderts. Seine großzügige, monumentale und rational unbewegte Malerei erreicht die höchsten Ideale der frühen Renaissance, einer Zeit, in der Kunst und Wissenschaft durch tiefe Verbindungen vereint sind. Wie Leonardo da Vinci, geboren zwei Generationen später, ist Piero ein hervorragender Experimentator.

Als Meister der Freskomalerei, in der er sich vor allem hervortut, ist er hauptsächlich an der Anwendung der kürzlich entdeckten Regeln der Perspektive auf narrative und devotionale Malerei interessiert. Die absolute mathematische Genauigkeit seiner Schöpfungen trägt zur abstrakten und ikonischen Qualität seiner Gemälde bei, was ihnen einen mächtigen heiligen Wert verleiht.

Kontext

Der moderne Humanismus und die moderne “Devotio”

Die Zeit von Piero ist die Humanistik, ein Phänomen, das ab dem Beginn des 15. Jahrhunderts eine neue Zuversicht in der Welt, im Menschen und seinen kognitiven Fähigkeiten ausdrückt. Die Wiederentdeckung klassischer literarischer und künstlerischer Texte ermöglicht es der letzten Phase des Mittelalters, die Grundlagen für die zukünftige Renaissance zu legen. Alte Texte werden wiederentdeckt, antike Statuen, Medaillen und Münzen beleben die klassische Kultur, griechisch und lateinisch.

## Mariologie, Angelologie und Demonologie im Kontext der Kunst**Die Wiederentdeckung des Menschen und seiner Körperlichkeit** findet in der Kunst nicht mehr in der Beschränkung durch eine unnatürliche Darstellung statt, die nie zu realistisch sein sollte, besonders bei Heiligen, Jungfrauen oder sogar Gott. Vielmehr wird ein Anreiz zur Forschung in entgegengesetzter Richtung deutlich: Eine Neigung zu einem Realismus, der im Wesentlichen den Menschen feiert, indem er Gott und himmlischen Kreaturen Gesichter, Körper und Empfindungen verleiht, die den Alltag ausdrücken.**Die populäre Kultur hat sich zu einem Modell tragischer Werte entwickelt.** Daher besteht keine Furcht mehr davor, Gott in menschlicher Gestalt darzustellen. Ein *sermo vulgaris*, der in epischen Wandmalereien, in Zyklen, die die Jungfrau in ihrer Mutterrolle hervorheben, in der zerrissenen Menschlichkeit Christi am Kreuz und im inneren mystischen Asketismus eines Heiligen zur Figur wird.**Tatsächlich beginnt der Humanismus in der italienischen Kunst lange vor seinem literarischen Parallel.** Arnolfo, Giotto, Nicola Pisano sind die *uraltesten Väter* dieses neuen Gefühls für den Menschen, noch in seiner primären, vielleicht unbewussten Form, aber bereits stolz angespannt, Gott das Recht einzufordern, unabhängig vom Göttlichen zu existieren. Alle ikonoklastischen Bescheidenheiten verschwanden allmählich. Die Furcht, mit dem Pinsel die Lippen Gottes zu berühren, den Kopf Christi oder den Bauch einer schwangeren Maria zu zeichnen, verschwand.**Kein Verlangen nach Synthese**, weil der Mensch sich in einem narzisstischen ästhetischen Reflexionsprozess wiederfindet, der ihn dazu bringt, bei Jungfrauen, Heiligen, Christus und dem Kind die Merkmale seiner dramatischen Körperlichkeit und seiner unverzichtbaren Menschlichkeit zu suchen. All dies ist in der Kunst das Wunder des Humors: Die alte Kunst, buchstäblich in diesem Zeitraum wiederentdeckt, bezieht sich auf die Feier des Mythos eines Menschen, in der Eleganz des Nackten, in dem eine glatte Stirn reines Denken wird.

Piero della Francesca glaubt an den Menschen und hebt seine Schönheit mit einem moralischen und ethischen Kanon hervor, der es sogar den höchsten Geistern ermöglicht, die sublimen Momente des Daseins zu erleben. Die extreme Herausforderung der frühen mittelalterlichen Malerei besteht darin, mit dem Göttlichen zu dialogisieren, ohne es in das visuelle Vokabular der Menschheit einzufangen.

Die architektonischen Werte hatten keinen Landschaftshintergrund oder einen Himmel mit Wolken und Vögeln, sondern eine Goldfolie, vor der sich Piero, wahrscheinlich bei seinem ersten bekannten Werk, dem Políptik der Barmherzigkeit, wiederfand.

Die Figuren von Piero, vor allem die heilige Maria, drücken sich durch Stille aus, durch eine unpersönliche Ausstrahlung voller Bedeutungen, in Gesichtern, die vom Volumen geformt sind, mit breiten Zügen, die von einfachen Gedanken erfüllt sind. Eine Dramaturgie, die sich wie die Schatten in Licht auflöst.

Beeindruckend ist die Verwendung des Lichts, eines weichen, aus der Mischung von Farben entstehenden Lichts, das er bei Fra Angelico in den Wandmalereien im Konvent San Marco in Florenz lernt und das sich zu einer Poesie verwandelt.