Die geometrische Mariologie von Piero della Francesca (4. Teil)

Eine Maria mit dem Kind, kürzlich Petrus de Burgo zugeschrieben und einst Piero della Francesca zugeordnet, verbindet sich mit Landschaften, die durch ein Gemälde aus Licht, göttlichen Proportionen und einem kontemplativen Blick entstehen, in dem Mathematik und Malerei zu einer neuen Gewissheit über Räume verschmelzen, in denen Menschen und Weltgeschehen auf eine Art traumhafte räumliche Vorhersage treffen. Absorbiert, unbewegt und stumm bewachen sie diese Gesetze als privilegierte Wächter einer fröhlichen „Poesie des Minimums“, in der eine neue Intimität zwischen Abständen, Ereignissen und Gemütszuständen durchschimmert.

Maria hält eine rote Rose, die durch den Lichteinfall weiß erscheint, an Jesus, der auf ihrem Schoß liegt und nackt ist, was an die Passion erinnert. Ein roter Engel deutet auf das Kind hin. Um die Muttergottes herum stehen Engel in Halbkreisstellung, steif und ernst in ihrer üblichen skulpturalen Qualität, aber königlich.

Möglicherweise ist Pieros bekanntestes Werk das „Brera-Altarbild“, wegen des Ortes, an dem es aufbewahrt wird, und weil es ein Werk über einen „heiligen Dialog“ darstellt.

Dieser Name bezieht sich auf Gemälde, die Maria und das Kind Jesus in ihren Armen darstellen, oft begleitet von Heiligen und manchmal sogar einfachen Sterblichen.

In diesem Fall stellt die Szene auch Federico da Montefeltro dar, den Auftraggeber des Werks, eindeutig erkennbar als der Mann in Rüstung, der sich auf der rechten Seite kniet. Bemerkenswert ist, dass die Positionen der Figuren meist einer genauen Hierarchie folgen: Maria sitzt allein, die Heiligen stehen, die Mäzene knien.

Das Gemälde zeigt vier Engel in der Nähe Marias sowie sechs Heilige, drei auf jeder Seite: Auf der linken Seite befinden sich Sankt Johannes der Täufer, Sankt Bernardino von Siena und Sankt Hieronymus, auf der rechten Seite Sankt Franziskus, Sankt Petrus Märtyrer und Sankt Johannes Evangelist.

Das Werk ist ein bemerkenswertes Beispiel für diese formale Ordnung, die mehr ist als nur eine stilistische Wahl: Es ist das Vertrauen in ein Universum, das auf einer Harmonie basiert, die rational und mathematisch ist. Alles ist symmetrisch und präzise, insbesondere die Architektur im Hintergrund. Wir befinden uns innerhalb einer Kirche, am Kreuzungspunkt der Nave mit dem Transept, direkt gegenüber der Apsis.

Ein einzigartiges Merkmal dieses Raums ist die Form der Apsis, eine Muschel. Eine Avestruz-Eierkugel hängt oben herab. Die Bedeutung des Eies liegt in einer mittelalterlichen Überzeugung, dass Avestruz-Eier durch die Hitze der Sonne ausgebrütet wurden und daher ein Symbol für die Jungfräuliche Geburt Marias darstellten.

Die Muschel könnte ebenfalls diese Bedeutung vermitteln, da man glaubte, dass sich die Perle ohne männliche Einwirkung durch den Blitz der Stürme formte. Diese Details verweisen auf das Geheimnis der Geburt Jesu, verstanden als ein Wunder, das dem Menschen Erlösung bietet.

Das Werk *La Madonna di Senigallia* ist von grundlegender Bedeutung für die Rekonstruktion der künstlerischen Entwicklungen seines Autors, da es den Übergang von der Tempera zur Ölmalerei dokumentiert, inspiriert von flämischen Malern wie Jan van Eyck, der zu dieser Zeit an den Höfen von Ferrara und später Urbino bekannt war. Die flämische Malerei führte die Verwendung der Ölmalerei nach Italien ein, was eine feinere Kontrolle des Lichts ermöglichte.

Piero della Francesca konstruiert daher Bilder mit Farbe und formt die Farbe aus Licht. Die Zeit seiner bildnerischen Meditationen ist der Mittag, wenn das Zentrallicht die Schatten der Erde vertreibt. Bei Piero scheinen die Farben zum ersten Mal als Elemente einer Erfindung der Welt zu entstehen. Die erste Lektion auf diesem Weg erhält er während seines Aufenthalts in Florenz, wo er die große Lehre von Domenico Veneziano aufnimmt: eine leuchtende Malerei, die die Figuren im Licht konstruiert, nicht übereinander, sondern harmonisch integriert in das Bild.

*Die Madonna di Senigallia* offenbart sich als noch reicher, da sie das schräge Licht eines jeden Tages einfängt, das Licht, das durch die Fenster links dringt und den Innenraum eines majestätischen, aber nicht opulenten Hauses erhellt, in dem eine sehr junge Maria von zwei jugendlichen Engeln umgeben ist. Sie präsentiert mit sanfter Traurigkeit, fast neblig von Vorahnungen umhüllt, ihren melancholischen Sohn.

Eine Atmosphäre extremer Konzentration durchdringt den einfachen Raum. Auf den Regalen steht ein Krug, der für die Eucharistie stehen und auf die Gegenwart Christi in der Hostie hinweisen sollte, sowie ein Korb, eine Erinnerung an die Reinheit und die heilsame Rolle Marias, die Jesus in ihrem Schoß wie der Korb, der Moses aufnahm (vgl. 2 Mo 2,3-6), aufnimmt.

Das Werk vereint das Monumentale und das Intime, die beiden Facetten, in denen sich seine Poesie manifestiert. Monumentale Ausmaße haben die Körpergröße, die Anmut der Figuren und die Zurückhaltung der Kleidung, die jedoch von den Juwelen der Engel und dem feinen Licht der Jungfrau durchbrochen wird. Die Atmosphäre dieses Innenraums aus dem 15. Jahrhundert ist intim und fast häuslich. Die Architektur, durch das einfallende Licht von links betont, ermöglicht es Piero, sich auf die Lichteffekte zu konzentrieren, was eine klare Anleihe an die flämische Kunst darstellt. Das Werk wirkt insgesamt sauber, essenziell und festgehalten in dem typischen statischen Schweigen, das den Reiz dieses Malers ausmacht.

Die Geburt in London ist möglicherweise das letzte Werk des Meisters von Sansepolcro. Das Kind liegt im Mantel der Maria, gemäß der traditionellen Nord-Ikonographie, die auch die Merkmale des Kindes widerspiegelt.

Die Mutter, mit zarten und feinen Formen, eine extrem elegante Marmorfigur, betrachtet das liegende Kind auf einem Mantelabstand.

Josef sitzt lässig auf einem Sattel in einer pose, die ein heimisches und absolut intimes Gefühl vermittelt.

Die beiden Tiere im Hintergrund werden mit großer Realität dargestellt.

Ein Hirte zeigt hinter sich auf den Kometen.

Ein Chor von Engelmusikern spielt, doch sie führen Instrumente ohne Saiten.Der Bildausschnitt ist leicht erhöht, ähnlich wie beim Pala di Brera, und bietet einen fast luftigen Blick auf die spektakuläre Landschaft des Flusses, der sich weit in den Horizont schlängelt, mit Bäumen, Sträuchern und herausragenden Felsen, die an einige Zeichnungen von Leonardo da Vinci erinnern. Pieros Werk ist fast quadratisch und so schön, dass es intensive Emotionen weckt. Es offenbart Frömmigkeit und Mystizismus sowie ein tiefes Gefühl für Geheimnis, gepaart mit Nostalgie nach vergangenen Erfahrungen, die lebendig und aktuell wiedererweckt werden.Ein Esel, der schnaubt, wird dem Chor der Engel hinzugefügt, einem perfekten Quintett, das an der Eingangstür der Hütte Musik spielt und singt, um Gott zu preisen. Kurz gesagt, die Anwesenheit des Esels bedeutet, dass alle Kreaturen – jede auf ihre Weise – an der Freude über die Geburt Christi teilhaben. Doch das Schnauben des Esels steht im Kontrast zur Harmonie des himmlischen Chors. Im genauen Moment der Geburt des göttlichen Kindes mischt sich die Freude mit dem Leid, denn der Plan Gottes für die Erlösung der Menschheit führt Christus zum Kreuz. Die anderen Tiere in Pieros Werk nehmen jedoch nicht an dieser außergewöhnlichen Geburt teil.Man kann einen Stier neben dem Esel, ein Dachkreuz und einen Goldfink im Vordergrund sehen. Keines dieser Tiere schnaubt oder singt jedoch. Daraus folgt, dass die Anwesenheit des schnaubenden Esels einen Grund hat: Es erzeugt eine unangenehme, disharmonische Melodie. Die Volksweisheit stellt den Esel auch in Kontrast zur Musik und ihrer Harmonie. Pieros Esel steht dabei sehr nahe an einem Engel, der Geige oder Laute spielt. Wenn man das hinzurechnet, dass die Mähne des Esels rot ist (ein Zeichen des Teufels), dass das Dachkreuz oft auf den Teufel hinwies und der Goldfink mit Dornen im Vordergrund an die Leiden Christi erinnert, wird die Bedeutung des Gemäldes deutlich.Die Architektur wird hier nur angedeutet in der Ruine und dem Hintergrund, in dem man Borgo Sansepolcro erahnen kann. Der Raum ist durch die Landschaft geprägt, durch die Kurven des Flusses, in dem sich die Bäume widerspiegeln, in einem hellen, anbetenden Licht, das den Himmel auf die Erde holt, den Gesang der Engel in der Armut der Krippe.Lass dich von einem Wort Gottes verzaubern, erstaune erneut über die Krippe und das Kreuz, staune über den Logos, der in jedem Fleisch wohnt, über das Ewigkeit, das sich im Augenblick manifestiert, über das Brot, das sich zum Leib wird, über einen Gott, der lächelt, mache Maria zu einer stummen Meisterin des Staunens, diejenige, die die guten Nachrichten bewahrt und in ihrem Herzen meditiert. Denn die Geschichte eines Kindes wird vor allem im Herzen seiner Mutter geschrieben. Sie bewahrte die guten Nachrichten. Sie bewahrte sie sorgfältig, denn selbst Bruchstücke sind kostbar für das Gedächtnis des Herzens.

Nach dem Erblinden in seinen letzten Lebensjahren starb Piero della Francesca am 12. Oktober 1492 in Borgo San Sepolcro, dem Tag der Entdeckung Amerikas. Seine Bilder der Jungfrau Maria, ruhig, stabil, stumm und im Wesentlichen hierarchisch, geprägt von einem tiefen und ernsten sakralen Gefühl, wecken die Erinnerung an ein Gedicht in den Herzen:

Das Arkus der neuen Allianz

zwischen Mensch und Natur, kehrt zurück,

auf dem Schiff, das den Herrn unter der weißen Segel trägt

(David Maria Turoldo).