Léonard de Vinci et la Vierge enceinte d’espoir

Dans la Galerie des Offices à Florence, il existe un dessin attribué au maître Léonard représentant une tête féminine qui présente de nettes similitudes avec la peinture de la Vierge des Roches, au point d’être considérée comme une étude préparatoire.

Comparée à la “Vierge Benois”, cette composition présente un plus grand recul entre les figures et le fond, ainsi qu’un clair-obscur moins diffus et plus direct, avec des lumières et des ombres qui se détachent particulièrement sur les visages, sans se perdre dans les nuances, modelant avec une vigueur exceptionnelle les formes au point de leur donner un aspect tridimensionnel et presque tangible. Le regard de l’Enfant, tourné vers un point en dehors de l’espace pictural, invite le spectateur à entrer dans la peinture et établit une relation directe de communication avec l’image sacrée.

Le 25 avril 1483, la Confrérie de la Conception commanda à Léonard et aux frères de Predis un panneau représentant la Vierge des Roches. La peinture, actuellement au Louvre, montre la Vierge avec Jésus, Saint Jean-Baptiste et un ange dans une grotte, un décor sombre composé de lames de pierre et d’estalactites, percé par des ouvertures vers la lumière lointaine du coucher du soleil.

Leonardo, à Milan, était confronté à une grande peinture en cours de réalisation : des lunettes de la Chapelle Portinari aux fresques de la Banque des Médicis, il découvrait les hautes créations de Foppa et les paysages de Bergognone, contrastant le principe plastique des Toscan avec le rythme souverain de Florence, la perspective, la lumière et l’espace lombard.

Une peinture différente qui affrontait ses problèmes de lumière, d’ombre, d’espaces lointains, d’atmosphère. De nombreux dessins, soit autonomes, soit dispersés dans ses écrits, montrent que Léonard suit l’observation directe tout en nourrissant ses rêves, avec son trait précis, léger, lumineux, parfaitement évocateur des formes, lumières, ombres et mouvements du cœur.

Ses figures reposent sur ce qui peut être défini comme une concrétude idéalisée. La Vierge des Roches, signée par Léonard, a été achetée directement par les Français grâce à des négociations confidentielles et secrètes avec les frères franciscains, et remplacée dans l’église par une autre presque identique peinte par Ambrogio de Predis, mentionné dans le contrat, avec l’aide de Léonard lui-même.

Les deux tableaux modifient réellement le schéma traditionnel de l’Immaculée Conception avec les anges musiciens, la lune sous les pieds, la couronne d’étoiles. Ici, l’harmonie vient surtout des éléments de la nature auxquels l’artiste a donné un tel accent et avec lesquels les figures humaines sont profondément en harmonie. La raison ultime du privilège marial est la maternité divine.

Des roches projettent une lueur tamisée autour du groupe, tandis que la lumière céleste brumeuse et verdâtre recule au loin, sur un monde de pics engloutis dans les brouillards. L’esprit mélancolique de la nuit pénètre le sourire de la Vierge, vague et incertain face à la mort. Le relief s’épanouit là où la lumière touche les choses, disparaît là où l’ombre les avale. La forme se fond, avec son mouvement instantané et doux, dans le fluide créé par l’ombre de la caverne et les éclats dorés qui traversent ses voiles. De plus en plus, dans l’art de Léonard, la couleur perd de son importance au profit des lumières pénétrant dans l’eau et le ciel.

Conclusion

Une épiphanie de la transformation, traduite en moments de suspension extrême, mais des moments parfaits, au-dessus desquels plane la conscience de l’éphémère de la réalité. Des instants figés au moment où le passage du temps les fait disparaître, des harmonies très parfaites, mais comme fendues par la sensation de leur irrépétibilité.

Quelle science admirable, s’exclame Léonard dans un élan où se trouve tout le rêve de perfection de la Renaissance, mais aussi toute sa fragilité : les réserves dans la vie des beautés transitoires qui ont varié continuellement au fil du temps.

Toute la peinture de Léonard est en effet animée par la conscience de la mutabilité de la réalité phénoménale, analogue à celle que le scientifique avait très fortement, de la mutabilité de la réalité physique. Et tout comme le scientifique perçoit que les rivières, creusant les vallées, changent constamment le paysage, ou que la nature prend plaisir à créer des vies et des formes continues, le peintre est très sensible à l’infinie variété qui importe à l’intervention du temps dans l’apparence du réel.

C’est précisément dans cette vision suspendue, comme si elle planait entre deux clignotements et au bord de la disparition, que l’on ressent plus fréquemment et intensément, en s’approchant de la peinture de Léonard, la raison de l’expression fugace de ses visages, du matisé et inachevé de ses paysages, de ses explorations d’ombres, de son intérêt pour le geste et l’état d’esprit qui semblent déjà presque s’estomper.

Ainsi, comme sa préférence pour les lumières crépusculaires et les fonds bleus et les moments où l’atmosphère devient plus indécise et impalpable, révélant ainsi l’essence indescriptible de la beauté du monde et la qualité élevée et éphémère de la joie que nous en recevons : comme si, en fixant la perfection d’une heure qui se fende, on voulait la préserver du piège du temps, ce prédateur rapide des choses humaines qui la dissoudra bientôt.

Léonard est un homme de foi, selon le type typique toscan du XVe siècle, certainement différent du catholicisme dévoué à la Réforme catholique, mais un chercheur du mystère divin et de sa manifestation dans l’histoire humaine.

Dans « L’Annonce », Léonard place la Vierge Marie à la limite d’une cavité d’ombre, touchée par la lame oblique de lumière venant du fond et éclairant son visage avec l’atmosphère qui l’entoure. Autrement dit, il l’avait confondue avec la nature, avec la brise du matin, avec la lumière de l’aurore, mais il l’avait également poussée à se séparer d’elle et à s’en transcender par la grâce de ce « oui ». Le sentiment de la nature, celui qui fait que nous ressentons le rythme de notre vie en harmonie avec celui du cosmos, nous relie à Dieu, nous ouvre à l’écoute, nous fait toucher les plaies du Rédempteur.

Léonard peint l’Annonce dans un coin du palais de la Renaissance, mais dans l’atrium du jardin. La Vierge des Roches est dans une grotte ouverte au monde ; la Notre-Dame de la Roche et la Vierge aux fusils sont dans un paysage ensoleillé. Les grandes scènes lumineuses nous disent que le miracle de l’Incarnation implique non seulement Marie, mais toute la création. La lumière très claire du matin adoucit les contours des figures, rendant les Vierges peintes par Léonard enceintes d’espoir.