Die Mariologie in den Gemälden Pieros der Francesca (2. Teil)

Leben und Werk

Piero wurde um 1415-1420 in Borgo San Sepolcro geboren. In der Stadt im oberen Tibertal erhielt Piero seine ersten künstlerischen Einflüsse zusammen mit Antonio d’Anghiari; seine frühen Werke zeigen jedoch ein tiefes Verständnis für die Kunst Florenz’ zu Beginn des 15. Jahrhunderts, insbesondere für die klare, helle und perspektivische Malweise Domenico Venezianos. Neben diesem Künstler arbeitete Piero 1439 in der toskanischen Hauptstadt mit, um Fresken mit den Geschichten der Jungfrau im Chor der Kirche von Sant’Egidio auszuführen.

Die direkten Auswirkungen dieser künstlerischen Erziehung finden sich in einer der ältesten erhaltenen Werke Pieros, dem Taufe Christi, das in einer zenitalen Lichtquelle zur abstrakten Mittagszeit angesiedelt ist, wenn Schatten verschwinden und eine Art von Gesten- und Schweigenzauber herrscht.

Einige Jahre später malte Piero eine Auferstehung in Borgo Sansepolcro. In diesem Gemälde, das Christus mit groben, wesentlichen Zügen im genauen Zentrum der Komposition darstellt, symbolisiert er den Übergang vom Winter – die nackten Bäume auf der linken Seite – zum Sommer – die üppigen Bäume auf der rechten Seite – und von der Nacht der schlafenden Soldaten vor dem Sarg zum Morgengrauen, das über ihren Schultern aufsteigt. Christus’ Auferstehung ist der Übergang vom Tod zum Leben.

Ab Mitte des 15. Jahrhunderts entwickelte sich die Karriere Pieros in wechselnden Aufenthalten an den Höfen der italienischen Zentren im Norden, seiner Heimatstadt und Ferrara, wo er für den Markgrafen Leonello d’Este, einen der feinsten Renaissancepaten, arbeitete. Wahrscheinlich pflegte er in Romagna enge Beziehungen zu Alberti, der ihn ermutigen musste, seine leidenschaftliche Untersuchung der Gesetze der Perspektive und Proportionen fortzusetzen.Inzwischen, im Jahr 1445, beauftragten seine Mitbürger ihn mit dem großen **Políptik der Barmherzigkeit**, für das er in unregelmäßigen Abständen arbeitete und erst nach viel Drängen im Jahr 1462 abschloss: Die kraftvolle plastische Struktur der Figuren, die in einem Goldhintergrund versunken sind, hebt sich durch den strengen abstrakten Aufbau und den atmosphärischen Lichtwert des Hintergrunds hervor.Im Mittelpunkt des Políptiks schützt **Mater Misericordiae** eine Gruppe von Gläubigen, darunter Piero selbst, dargestellt als Selbstporträt rechts von der Jungfrau, sowie ein schwarzkappliger Bruder derselben Bruderschaft, die die Toten bestattete. Maria, gekleidet in einem Ledergurt mit doppelter Schnürung, ein Andenken an ihre Jungfräulichkeit, wird als massives geometrisches Volumen dargestellt, weichgezeichnet durch einen friedlichen, nachdenklichen, inspirierenden und zugleich entfernten, transzendenten, blassen und sanften Gesichtsausdruck. Ihr langer Mantel bildet eine Grenze, aber auch ein Chor, der sich in Gebet vereint. Die Zugeständnisse an die Antike des Goldes und den Dimensionen Marias scheinen nicht zu stehen gegen die Modernität der Gesichter. Doch das Gold wird zum Licht und Hintergrundlicht, das die Volumina hervorhebt, das Spiel der Dimensionen zur Monumentalkunst. Die Farben sind lebendig, die Kleidung dezent, mit seltenen Details, ausgenommen dem **Diadem der Jungfrau**, den Edelsteinen der **Krone** und dem **Arm** einer der knienden Frauen. Es ist reine Erfindung einer Spiritualität, die den Menschen dem Göttlichen in der Perfektion der Form näherbringt.Über unserer Herrin im Polyptich erhebt sich eine **Kreuzigung**, die in der dramatischen Geste der Mutter und der edlen Haltung Johannes eine extreme Spannung erreicht.Eine weitere **Kreuzigung** von Piero befindet sich im **Polyptich von Sankt Augustin**. Die Szene ist in zwei Hemisphären organisiert: Das obere, mit goldenem Hintergrund, zeigt den himmlischen Bereich, wo nur das Kreuz zu sehen ist. Das untere ist die Erde, zusammengesetzt aus vier Gruppen von Figuren. Unten sitzen drei Soldaten und berühren Christus Mantel. Links befinden sich die **Schmerzkranken Maria** mit Johannes auf der rechten Seite als Gegenpol. An den Enden gibt es zwei fast symmetrische Gruppen römischer Reiter, deren Pferde an die der **Legende der wahren Kreuz** von Arezzo erinnern. Die Szene ist durch eine bemerkenswerte Lebendigkeit und eine reiche Farbpalette gekennzeichnet, in der sich rote Fahnen, Schilde und Kleidung abheben. Die Betonung auf dramatischen Bewegungen, die das intensive Leid der Mutter und Johannes zum Ausdruck bringen, erscheint in Pieros Kunst außergewöhnlich. Tatsächlich könnten man in den offenen Armen Marias und des Jüngers ernste und liturgische Botschaften lesen, frei von jeglicher schmerzhafter Verkrampfung, im Einklang mit einem Christusbild ohne gewaltige Körperverformungen.Die bewegende **Unsere Dame im Gebärend** stammt aus den späten 1450er Jahren und ist ein Fresko in der Kapelle des Friedhofs von Monterchi (Arezzo), wo Maria beigesetzt wurde. In ihrem einfachen, kostbaren Mandarinfarbenkleid steht Santa Maria in einer leichten Dreiviertelstellung, um ihre Schwangerschaft deutlicher zu machen. Sie hält ihren linken Arm an die Seite, eine Haltung, die sowohl Ruhe als auch wachsame Bewusstsein ausdrückt. Mit der rechten Hand berührt sie sanft ihren Bauch in einer vertrauten schützenden Berührung, die jede schwangere Frau kennt. Maria ist die junge Landfrau und zugleich die Glückliche des Herrn (benedicta tu in mulieribus), die die Erlösung der Welt trägt.Pieros Fähigkeit, die Wahrheit zu analysieren und gleichzeitig dem Heiligen die Beweise eines perfekt archetypischen Naturalismus zu liefern, ist ein Merkmal dieses Malers.